10 películas que te enseñarán todo lo que necesitas saber sobre Edición de Cine

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10 películas que te enseñarán todo lo que necesitas saber sobre Edición de Cine

La edición es un proceso de selección. Durante el rodaje obtendremos cientos de horas de material de archivo. Es también un lenguaje que tiene sus reglas. Cuando no se aplica de forma adecuada puede causar aburrimiento o peor aún, confusión.

La importancia de la edición no debe ser subestimada. De acuerdo con los escritores de cine David Bordwell y Kristin Thompson, la arquetípica película de Hollywood tiene entre 1.000 y 2.000 tomas que son solapadas unas junto a otras. Para las películas de acción, ese número puede subir de forma drástica a 3.000 tomas.

Este artículo se ha escrito con la esperanza de inspirar la revisión de algunas de tus secuencias favoritas, para deconstruir y de esa forma analizar la forma en la que la edición de la película ha ayudado a crear un momento cinematográfico perfecto. Estas son las 10 películas que te enseñarán todo lo que necesitas saber sobre edición de cine:

1. Battleship Potemkin (1925)

La secuencia en las escaleras de Odessa de El Acorazado Potemkin ha recibido homenajes tanto por Terry Gilliam (Brasil) o Brian De Palma (Los Intocables). El director, Sergei Eisenstein, es famoso por la creación de películas que carecen de usos convencionales y personajes centrales. En lugar de ello, sus películas crean momentos emotivos a través del uso de la edición, con la yuxtaposición de imágenes que transmiten entusiasmo y energía.

En El acorazado Potemkin, Eisenstein trata de fomentar la idea de un gobierno zarista malvado. Como resultado de ello, muestra imágenes que el público puede entender y que les hace sentir horrorizado: un niño que recibe un disparo y es pisoteado, manifestantes inocentes tiroteados, el famoso coche de bebé que rueda por los escalones, etc. Es importante recordar que Eisenstein no trataba de reflejar la realidad, estos hechos nunca ocurrieron en Odessa. La secuencia, que tiene siete minutos de duración, en la vida real tendría una longitud en la realidad de dos minutos.

2. Casablanca (1942)

La edición de cine clásica debe orientar al público mediante la creación de relaciones espaciales. Esto se puede logar de forma sencilla por coincidencia en la linea de la mirada. En esta secuencia de Casablanca, Rick (Humphrey Bogart) y el Capitán Louis (Claude Rains) se establece esta línea dejando la cámara tras el hombro de Louis, que mira a Rick sentado en un escritorio. En la imagen, los ojos de Rick miran al capitán. 

La secuencia avanza durante su conversación, y realiza un Plano-Contraplano con frecuencia. Sabemos bajo qué perspectiva miramos. La técnica de Plano – Contraplano es una piedra angular de la edición clásica.

A medida que la conversación avanza, se introducen dos nuevos tiros de cámara. El primer tiro indica que la posición del capitán ha cambiado. El segundo tiro permite la entrada de un tercer personaje. Si nos dan un primer plano de este tercer personaje que entra, no entenderíamos la geografía de la habitación.

A pesar de que no miramos a través de los ojos de un personaje, la edición no desorienta. Esto es debido a que la edición sigue la regla de 180 grados. Desde el tiro de establecimiento, el capitán Louis está a la derecha, y Rick a la izquierda. Esta configuración se mantiene durante toda la secuencia, hasta que vemos al capitán Louis caminar fuera de la oficina, pasando por delante de Rick. Una vez que la línea de 180 grados se establece en una secuencia, no debe ser rota – de lo contrario parecerá accidentalmente que los personajes intercambian sus posiciones.

3. Psycho (1960)

La edición de cine eficaz puede ser poderosa. Cuando el público vio Psicosis, asumió que la secuencia de la ducha era más gráfica de lo que fue en realidad. La secuencia de tres minutos fue rodada desde 77 ángulos de cámara distintos, con 50 cortes. Esto significa que es difícil ver lo que sucede, por lo que la mente rellena los espacios en blanco. Mientras que la secuencia es moderada en su violencia para los estándares sangrientos de hoy en día, algunos espectadores en su momento estaban seguros de que haber visto a la chica desnuda, así como las puñaladas al personaje de Marion Crane (Janet Leigh).

La secuencia de la ducha de Psicosis también es un ejemplo de cómo muchos directores crean vínculos entre las tomas, haciéndolas coincidir de forma gráfica. Aquí se ve la sangre drenar por el desagüe y como luego, en un fundido, se convierte en un ojo. Es un simbolismo de que la vida se va por el desagüe, y ahora sabemos que está muerta después de ver su mirada.

4. The Good, the Bad and the Ugly (1966)

Algunos compositores escriben la música cuando la película está editada por completo. Otros presentan su partitura al director de tal forma que una película se adapta a la música. Si bien esto es una tarea compleja para un editor, también le permite la oportunidad de crear sentido del ritmo a través del corte. Un ejemplo perfecto de la edición de ritmo es el tiroteo final en El bueno, el Feo y el Malo. La música es melódica mientras los vaqueros se miran unos a otros. Una vez cada personaje está en posición y listo para disparar, la velocidad de los cambios de plano se incrementa con la velocidad de la música. Los ojos se mueven de vaquero a vaquero, ya que cada uno espera nervioso al otro para disparar. El resultado es rítmico, tenso y hermoso. 

5. The Godfather (1972)

En este montage de El Padrino un cúmulo de asesinatos tienen lugar en el espacio de una secuencia corta de tiempo. Un montage es una forma eficiente de moverse rápidamente a través de una historia, ya que es capaz de mostrar una gran cantidad de información de forma breve. La jugada maestra de Francis Ford Coppola fue yuxtaponer el montage sangriento donde se eliminan a los enemigos de Michael Corleone (Al Pacino) al mismo tiempo que este toma los votos del bautismo, alternando entre ambos momentos. Michael se convierte entonces en el padrino literal y metafórico, en un espacio de tan solo dos minutos. 

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6. Raiders of the Lost Ark (1980)

En Busca del Arca Perdida es la película de acción clásica de Steven Spielberg. En la secuencia inicial, Indiana Jones (Harrison Ford) acciona de forma accidental un conjunto de trampas antiguas mientras roba un ídolo de oro en Perú. Una vez que queda claro el peligro, la secuencia se desarrolla en frenesí. El templo se derrumba, las puertas caen, hay flechas que se dispararan al azar, Jones casi cae al abismo y para colmo una enorme bola rueda hacia nuestro héroe.

A pesar de estos acontecimientos, la edición es coherente. Cada toma se enmarca para que podamos ver lo que sucede en cada fotograma. De hecho, la cámara es a menudo estática – sólo se mueve para seguir el movimiento del personaje principal. La edición de la acción clásica se basa en que el público tenga plena comprensión de lo que afecta a los personajes. La edición puede ser rápida, pero los eventos clave se explican. Indiana Jones se agarra a una vid y nosotros no lo vemos deslizarse hasta después de ver un primer plano de la vid que se afloja.

La edición también corta hacia la acción. Por ejemplo, Indiana Jones corre hacia el final de un túnel y luego corta a un nuevo tiro de él balanceándose sobre un abismo profundo. Este corte en la acción logra que dos tomas separadas se unan entre sí, formando una pieza continua de acción.

7. Top Gun (1986)

El director Tony Scott fue seleccionado para Top Gun por su experiencia al dirigir un anuncio de Sabb en le que un coche competía con un avión de combate. De hecho, desde hacía quince años Scott desarrolló una exitosa carrera haciendo anuncios. Como resultado, estaba acostumbrado a tener que transmitir una gran cantidad de información a través de en un corto espacio de tiempo (a veces sólo treinta segundos). En cuanto a este clip de Top Gun, la experiencia de Scott como director de comerciales es evidente. Los cortes entre tomas son de ritmo rápido, rara vez duran más de dos segundos, y el énfasis de los tiros de cámara es en el rostro del personaje y no su cuerpo entero (incluso en las imágenes de los personajes que no están en cabina). Este estilo post-clásico de la edición se conoce a veces como «la edición MTV«, porque se dirige a un público criado por la televisión y los videoclips. 

8. Schindler’s List (1993)

Cuando hablamos sobre edición, otra función importante es la de mantener la continuidad temporal. El director quiere que ubicar al espectador en la línea de tiempo de la película y cuan rápido está pasando. Un «dissolve» es una manera estándar para que el público sepa que el tiempo ha pasado. Sin embargo no es la única manera.

Mientras Itzhak Stern (Ben Kingsley) y Oskar Schindler (Liam Neeson) crean la lista del título, los cortes hacia una secuencia completamente distinta otorga al público un mayor conocimiento acerca de los esfuerzos de Oskar para adquirir a sus trabajadores. Cuando se vuelve a la oficina, no sólo este corte transversal ayuda a mover el flujo del tiempo, ahora se conoce la determinación de Oskar en sus esfuerzos.

Spielberg también usa el corte gráfico, con lo que se ve a Itzhak contar una lista recién escrita, seguido por un corte de Oskar que lee una lista completa. Esto crea un vínculo metafórico desde el principio hasta el final, del proceso de redacción de la lista. A pesar de que la edición es simple, se sabe que el tiempo pasa, ya que los dos personajes se encuentran en diferentes posiciones.

Este clip es también un recordatorio del poder de la edición en plano secuencia, o en tomas largas. Cuando Oskar dice a Itzhak que deje de trabajar en la lista de nombres, la toma larga nos marca el cansancio de los dos hombres y potencia el discurso de Itzhak.

9. Quantum of Solace (2008)

En lugar de establecer la geografía de la torre del reloj donde James Bond (Daniel Craig) está de pie, los cortes rápidos de un ángulo a otro aumentan la tensión emocional de Bond. Después de que Bond sea atacado, el ritmo de edición se acelera. No hay una toma visual limpia de cómo los acontecimientos se están desarrollando. Se nos presenta la secuencia con una serie de primeros planos temblorosos: armas, caras, el andamiaje colapsando, los ladrillos que golpean la pantalla, una polea, vidrio demolido, etcétera. Además hay muy pocos planos de la acción. En su lugar hay tomas sucesivas que ofrecen perspectivas distintas.

La edición rápida y un trabajo de cámara en constante movimiento se llaman «continuidad intensificada» o «cine caos». En este estilo de edición no es crucial para la audiencia orientarse o entender lo que sucede. La emoción se crea mediante la estimulación de los sentidos de las audiencias como sea posible, con movimientos de cámara dinámicos y edición frenética.

10. The Social Network (2010)

La edición clásica es estándar en el cine de Hollywood. Este fragmento de The Social Network muestra una conversación entre Mark Zuckerberg y un abogado, y la conversación se desarrolla utilizando la técnica de Plano – Contraplano.

Si todas las conversaciones de cine se hicieran con esta técnica sería similar y mediocre. Cuando Zuckerberg se percata de que llueve la edición nos lleva a un punto de vista que nos permite mirar el mundo a través de sus ojos. A continuación, hay un corte a la reacción de dos abogados. Después Zuckerberg dice «no». Las tomas de reacción a menudo hacen las escenas mas interesantes, al alejarnos de la acción sin dejar que se nos muestre la información importante. La toma que muestra la videocámara también da valor extra al contraplano, además de recordar que se las conversaciones se graban.

A medida que la conversación se torna más tensa, se corta a un plano medio-cercano de Zuckerberg, seguido de un primer plano de la abogada. Las tomas cortas permiten captar las expresiones del actor. En este ejemplo se utiliza de manera que el público puede entender que los dos personajes se enfadan cada vez más. Una vez que se establecen estas emociones, se pasa a un plano medio para capturar las reacciones del resto de la habitación. Es una conversación sencilla, pero la edición ha permitido a la audiencia absorber todos los matices y los detalles de la situación.

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